성 악 음 악

 -음악은 크게 기악과 성악으로 나눌 수 있다. 여기서 성악이란 사람의 음성을 사용한 음악의 총칭이다.16세기이전의 음악은  성악이 중심적인 역할을 했다.이후 17세기 바로크기에는 성악과 기악음악이 동등하게 번성하였고  18세기 후반부터 기악의 양적인 우위를 차지하였으며 지금까지도 그러한 경향을 유지해나가고 있다.  성악음악은 종교음악과 세속음악으로 나눌수있으며 고대음악에서는 종교와 음악이 불가분한 관계여서 순수한 세속음악은존재하지 않았다고 여겨진다. 기원후부터 기독교가 번성함에 따라 교회음악으로 체계적으로 발전하였으며 세속음악은 민요나 지방색의 춤곡등의 형태로 남아있다. 중세중엽이후부터 서사시적인 전설,일상적인 희로애락을  주제로하여 세속음악이 시작되었다.(프랑스에서는 트르베르,트루바두루, 독일에서는 민네징거 ,마이스터징어 라는 /음유시인/ 들이 노래와 이야기로 세속음악을 시작하였다)성악음악은  크게 종교음악과 세속음악으로 나눌수 있는데 ,종교음악으로는 오라토리오, 미사음악,수난곡   세속음악에는 오페라, 가곡,민요등 이 있다

                      민요         <folk song>

-민중 속에 전승되어 온 가요. 민속음악의 커다란 부분을 차지하며, 일반적으로는 예술음악과 대립되는 말이지만, 반면 예술음악의 모체가 되기도 한다. 대개 농업과 어업 등에 종사하는 사람들이 집단으로 제례(祭禮)나 노동을 할 때 부르기 시작한 노래로서, 특정한 창작자가 없이 자연적으로 발생하여 민중의 생활 감정을 소박하게 반영하고, 때로는 국민성·민족성을 나타내기도 한다. 민요는 유행가처럼 일시적인 것이 아니고 어버이에게서 자식으로, 자식에게서 손자로 전승되며, 그 전승도 문자나 악보를 매체로 하지 않고 입에서 입으로 전해지고, 필요에 따라서는 춤과 함께 집단적으로 부르기 때문에 가사와 곡조가 시대에 따라 변화하기도 한다.

                      가곡

-시에 곡을 붙인 음악형식. ‘노래를 부른다’고 하는 인간이 지닌 가장 근본적인 음악행위는 자연발생적으로 생겨난 민요와, 고도로 예술적인 의식(意識)의 산물인 근대의 예술가곡이라는 2극(極) 사이에서 매우 다양한 모습으로 나타나기 때문에, 가곡의 뜻과 형태를 일률적으로 규정한다는 것은 곤란한 일이다. 원래 넓은 뜻에서 본 가곡은 ‘시에 작곡된 노래’를 뜻하는데, 이 경우에도/ 오페라/오라토리오/미사곡 등에 포함되는 노래는 제외하고, 그 자체가 독립되어 있는 노래만을 가리키는 것이 보통이다. 그리고 가장 좁은 뜻으로는 ‘예술적인 의도로 특정한 개인에 의해 작곡된 독창곡’을 뜻하며, 근대에 와서는 일반적으로 피아노의 반주가 따른다. 이러한 2극 사이에서 가곡은 여러 가지 형태로 분류된다. ① 가사의 표현 내용에 의해서 종교가곡/세속가곡/서정가곡/이야기 가곡(발라드) 등, ② 사회적 기능에 따라서 /예술가곡/대중가곡(포퓰러송)/민속가곡(민요), ③ 음악 형식상으로는 슈베르트의 《들장미》처럼 가사의 각 절(節)을 같은 선율로 노래하는 유절가곡(有節歌曲), 슈베르트의 《마왕(魔王)》과 같이 모든 절을 통해서 일관된 선율을 붙이는 통작가곡(通作歌曲), 슈베르트의 《겨울나그네》나 슈만의 《여자의 사랑과 생애(生涯)》와 같이 내용이 관련된 일련의 가곡을 가곡집의 형식으로 묶은 연작가곡(連作歌曲), ④ 가창 성부(聲部)의 수에 따라 단성(單聲:獨唱) 가곡이나 다성 가곡(파트송) 등으로 나뉜다. 이상과 같은 구별은 때때로 서로 겹치게 되는데, 이를테면, 슈베르트의 《들장미》는 동시에 세속가곡/예술가곡/독창가곡/유절가곡이다. 교회의 전례성가(典禮聖歌)는 일반적으로 가곡이라고 하지 않으므로, 유럽에 있어서의 예술적인 가곡의 시초는 12~13세기에 성하였던 남부 프랑스의 트루바두르(troubadour), 북부 프랑스의 트루베르(trouv�re), 독일의 미네징거(Minnesinger) 등과 같은 음유시인(吟遊詩人)의 노래에 있다고 할 것이다. 그들의 가곡은 영웅이야기나 연애감정을 주요 테마로 하고있다. 15세기의 독일에는 마이스터징거(Meistersinger)라고 하는 상공계급의 가수가 나와서 자기가 만든 노래를 불러 연주와 작곡 솜씨를 겨루었다. 말하자면, 이들이 아마추어 음악가의 산물이었음에 비해, 14세기의 프랑스와 이탈리아에서는 마쇼나 란디니와 같은 대작곡가 아래에서 마드리갈·발라타·카치아 등의 세속적인 다성가곡(多聲歌曲)의 꽃을 피웠다. 15~16세기에도 교회합창곡과 함께 라스스나 자느캥에 의해 세속적 다성가곡이 발전하여 그 중심을 이룬 것은 이탈리아의 마드리갈과 프랑스의 샹송이었다. 16세기까지의 가곡이 거의 다성가곡에 한정되어 있었음에 비해 17세기의 바로크 시대와 함께 좁은 뜻의 가곡, 즉 화음적인 반주가 따르는 예술적 독창가곡이 등장하게 된다. 그 기초가 된 것은 가사의 억양이나 정서를 충실히 표현하는 모노디 양식으로(당시에 ‘언어는 음악의 주인’이라고 여기고 있었다), 이것은 오페라에도 도입되어 아리아와 레시타티브라는 대조적인 가창형식으로 분화되었다. 그러나 17세기 초기를 제외하고 바로크 시대의 가곡은 오페라나 오라토리오의 그늘에 가려 부산물적인 위치에 머물러 있었다. 좁은 뜻의 가곡이 황금시대를 맞이하게 된 것은 19세기의 낭만파 이후의 일로 낭만주의 문학이 일어나자 그것은 맨 먼저 독일에서 나타났다. 모차르트와 베토벤에 의해 기초작업이 이루어지고 나서, 슈베르트가 독창가곡을 다른 장르와 맞먹을 만한 예술 표현형식으로서 이를 확립하였고, 근대 독일가곡(이것을 특히 리트라고 한다)의 계보는 괴테/하이네/아이헨도르프 등의 시와 결부되어 /슈만/브람스/볼프로부터 R.슈트라우스로 이어져 빛나는 발전을 이룩하였다. 프랑스에서도 낭만파나 상징파의 시와 결부되어, L.H.베를리오즈, C.F.구노, F.마스네 이래, 독자적인 예술가곡을 길러 G.U.포레, H.뒤파르크, C.A.드뷔시에서 그 정점에 이르게 된다. 또한 대중가곡인 샹송과 구별해서 프랑스의 예술가곡을 멜러디라고 한다. 이탈리아의 가곡은 19세기에 들어와서도 여전히 오페라의 뒤에 가려져 있었으나, 19세기 말~20세기에 걸쳐서 레스피기, I.피체티, 티마라 등이 독자적인 가창성을 살린 뛰어난 가곡을 썼다. 그 밖의 나라에서는 러시아의 M.P.무소르크스키, 에스파냐의 E.그라나도스와 I.알베니즈, 보헤미아의 드보르자크, 노르웨이의 그리그 등이 가곡 작곡가로서 뛰어났다. 현대의 가곡은 현대음악의 다양성을 반영해서 여러 가지 경향으로 분화되어 있는데, 독일의 쇤베르크, 힌데미트, 프랑스의 미요, 플랭크, 메시앙, 영국의 E.B.브리턴, 에스파냐의 파랴, 헝가리의 발트와 코다이에게서 뛰어난 가곡을 볼 수가 있다.

                                 오페라

-음악을 중심으로 한 종합무대예술. 가극(歌劇)으로 번역된다. 그러나 오페라는 단순히 음악극이라는 뜻은 아니다. 음악을 주로 한 극이라면 오페레타나 뮤지컬도 있지만, 그것들을 오페라라고 하지는 않는다. 즉 오페라는 다음의 두 가지 조건을 구비해야만 한다. 첫째, 16세기 말에 이탈리아에서 일어난 음악극의 흐름을 따른 것이어야 한다. 그러므로 그 이전에 유럽에 있었던 종교적인 음악극은 오페라가 아니며 또 이 흐름에 속하지 않는 음악극, 예컨대 창극 같은 것도 오페라가 아니다. 둘째, 대체로 그 작품전체가 작곡되어 있어야 한다. 즉 모든 대사가 노래로 표현되어야 하는 것이다. 그러므로 오페레타나 뮤지컬은 이런 점에서 오페라가 아니다. 그러나 간혹 예외가 있어서 징슈필계열에 속하는 《마적》 《피델리오》 《마탄의 사수(射手)》 등과 민속 오페라 계열의 《팔려간 신부》 등, 그리고 오페라 코미크로서의 《카르멘》 등은 노래 아닌 대사가 포함되어 있지만 오페라에 포함시키고 있다. 오페라는 원래 라틴어 오푸스(opus:작품)의 복수형이다. 오페라 발생기에는 드라마인 무지카(dramma in musica) 또는 드라마 페르 무지카(dramma per musica)라고 하였다. 이것은 ‘음악에 의한(을 위한) 극’을 의미하는데 나중에 오페라 인 무지카(opera in musica)가 되고 다시 오페라로 약칭되었다. 오페라는 복잡한 종합무대예술로 음악적인 요소는 물론이요, 문학 또는 시적인 요소(대사), 연극적인 요소(극으로서의 구성·연기), 미술적인 요소(무대장치·의상), 무용적인 요소 등이 합쳐진 것인 만큼 매력도 큰 데 비하여, 자칫 작품으로서의 통일성을 잃게 되기 쉽다. 특히 음악적인 요소와 극적인 요소를 어떻게 조화시키는가, 또는 어느 편에 중점을 둘 것인가 하는 등의 문제는 지금까지 항상 오페라의 숙제가 되어 왔다. 오페라는 원래 대사에 음악을 붙인 것이며 음악은 독창과 합창 및 관현악으로 구성되었다. 그리고 독창은 등장인물이 맡고 성역(聲域)에 따라서 소프라노/메조소프라노/알토/테너바리톤/베이스 등으로 나뉜다. 그들은 독창을 하거나 중창을 한다. 전통적인 오페라에서는 그 부르는 노래 하나하나가 완결된 독창곡이 많으며 극중의 순서를 따라서 번호가 붙어 있는(번호 오페라) 것이 많다. 이들 독창자가 부르는 노래는 선율의 아름다움을 주로 한 아리아(��?영창)와 이야기하는 것처럼 부르는 레치타티보(Q唱)로 나뉜다. 합창은 오페라 중의 군중역으로 등장한다. 관현악은 성악의 반주를 하고 등장인물의 감정이나 성격·행동을 묘사하며 무대의 분위기를 묘사하는 등, 여러 가지 구실을 하지만 관현악만으로 연주하는 부분도 적지 않고 오페라 전체의 서두에는 서곡이나 전주곡이 붙는 것이 많다. 또 전주곡은 제2막이나 제3막의 처음에 나오는 경우도 있다. 오페라 속에 삽입되는 발레음악도 오케스트라가 연주한다. 리브레토라고 하는 오페라의 대본은 작곡을 위하여 특별히 쓰여진 것으로, 옛날에는 오페라대본을 쓰는 전문가들이 있었다. 보통 운문으로 쓰여지며 막·장(場)·경(景) 등으로 나뉘는데 이는 일반 희곡과 마찬가지이다. 작곡을 위한 대본이 아니고 완성된 희곡에 따라 작곡한 예외적인 작품(R.슈트라우스의 《살로메》)도 있다. 바그너는 대본을 스스로 쓰기도 하였는데 그 이후, 특히 현대에 이르러서는 작곡자가 직접 대본을 쓰는 경우도 많다. 오페라 가수는 목소리의 높이, 종류(리리코·드라마티고 등)에 따라서 배역이 결정된다. 오페라의 남녀 주인공은 소프라노와 테너인 경우가 많다. 관현악은 대개 오페라극장에 전속되고 대규모 오페라인 경우는 100명 또는 그 이상의 연주자가 필요하다. 또 일류 오페라극장에는 전속 발레단이 있어 발레만 단독으로 상연할 때도 있다. 오페라를 상연할 때 최고의 지도자는 지휘자로서 가수나 합창단원 그리고 무용수 등은 모두 그의 지휘에 따른다. 합창지휘자는 합창의 훈련을 담당하고, 극적 연출은 연출감독이 담당하며 연기를 비롯하여 중요한 것을 지도한다. 무용이 삽입될 때는 무용지도자가 안무나 무용지도를 한다. 기타 도구·의상·조명 등 담당자와 프롬프터 등은 일반 연극의 경우와 마찬가지이며, 오페라 상연에는 대단히 많은 인원이 필요하다. 이탈리아의 오페라는 특히 가창(歌唱)에서 뛰어나 벨 칸토라는 발성법이 발달하였다. 초기 오페라에서는 막간에 익살스러운 내용의 짧은 연극을 삽입하고 인테르메초라고 하였는데 후일 독립하여 오페라 부파가 되었다. 이에 대하여 정통적인 비극적 오페라를 오페라 세리아라고 하여 이 두 가지가 이탈리아 오페라의 전통적 형식이 되었다. 독일에서는 처음에 이탈리아 오페라의 형식을 따랐으나 민속적인 오페라로는 징슈필이 있고 정통적인 오페라의 영역에서는 베버 이후 낭만적 오페라가 전통적 형식이 되었다. 그리고 바그너의 악극에 의하여 전혀 새로운 형태를 갖추게 되었다. 프랑스에는 일찍부터 독자적인 형식이 확립되어 비극적 오페라의 영역에는 그랜드 오페라가 있고 부파의 계열에는 오페라 코미크가 있으나 이것은 반드시 희극적 내용을 가진다고는 할 수 없고 또 노래가 아닌 대사가 들어 있다. 영국에는 희극적 오페라의 영역에 발라드 오페라가 있다. 그리고 19세기 후반 이후에는 러시아에도 국민오페라가 출현하여 내용이나 음악에서 독특한 러시아양식을 만들어냈다.
【역사】 오페라는 르네상스 말기인 1597년에 이탈리아 피렌체의 바르디 백작 저택에서 탄생하였다. 바르디 백작 저택에 모인 사람들은 고대 그리스극의 부활을 목표로 그리스신화에서 취재한 새로운 음악극 《다프네》를 만들어서 상연하였다. 이것이 오페라의 효시로서, 독창을 주로 하고 악기 반주가 따르는 단성음악적인 작품이었다. 이 악보는 남아 있지 않으며, 현재 가장 오래 된 오페라는 1600년에 상연된 《에우리디케》로서 대체로 앞서의 작품과 같은 사람들(대본 카치너, 작곡 페리, 리누치니)이 제작을 담당하였다. 이 두 작품이 성공을 거두자 비슷한 작품들이 잇달아 발표되면서 피렌체로부터 이탈리아 전역에 보급되어 오늘날 오페라의 기원이 되었다. 다음에 오페라는 베네치아에 보급되어 번창하였으며 베네치아악파의 작곡가 몬테베르디는 오페라의 극적 성격을 높였다. 이 도시에는 1637년에 최초의 오페라극장이 개관되고 17세기 말에는 그 수가 약 15개소에 달하였다. 18세기 들어서 오페라는 나폴리에서 성행했으며 스카를라티나 페르골레시 같은 뛰어난 작곡가가 나타났다. 그러나 오페라는 벨 칸토 창법이 발달하여 그 후 점차 명가수의 기교(技巧)에만 지나치게 의존하는 경향으로 기울어져 갔다. 오페라는 17세기 후기부터 유럽 각국으로 옮겨가 프랑스에서는 륄리, 라모 등이 오페라의 프랑스양식을 확립하였다. 영국에서는 퍼셀이 오페라를 작곡하고, 독일에서는 슈츠가 작곡을 시도했으나 일반적으로 이탈리아 오페라의 지배를 받았다. 그러나 글루크는 빈에서 《오르페오와 에우리디케》(1762) 이후의 작품을 가지고 극과 음악의 통일이라는 점에서 오페라의 대개혁을 이룩하였다. 또 모차르트는 이탈리아오페라의 테두리 안에서 독일음악의 특색이 풍부한 명작 《피가로의 결혼》 《돈 조반니》 《마적》 등을 작곡하였고, 베토벤의 작품으로는 《피델리오》가 있다. 19세기에 이르자 오페라에도 민족적인 색채가 짙어졌다. 베버의 《마탄의 사수》(1821)에 의하여 독일 낭만파의 오페라가 시작된다. 이탈리아에서는 로시니, 도니체티, 벨리니의 3대 거성이 현대로 이어지는 이탈리아 오페라의 양식을 완성하였다. 프랑스에서는 그랜드 오페라 양식이 성하여 마이어베어가 활약하였으며 오페라 코미크도 출현하였다. 19세기 중반에는 두 사람의 대작곡가가 독일과 이탈리아에서 나타나 오페라를 독특한 무대예술로 향상시켰다. 바그너는 종래와 같은 번호 오페라의 양식을 배제하고 종합예술작품으로서의 악극을 대성하였다. 대표작은 《방황하는 네덜란드인》 《트리스탄과 이졸데》 《니벨룽겐의 가락지》 《파르치발》 등이다. 이탈리아에서는 베르디가 《리골레토》 《라 트라비아타》 《아이다》 《오셀로》 등 많은 걸작을 남겼다. 19세기 후반 프랑스에서는 구노와 토마가 우아한 오페라를 남겼으며 비제는 청신한 극적 음악을 작곡하였다. 19세기 중반부터 러시아에도 뛰어난 오페라가 나타났는데 글린카, 차이코프스키, 무소르크스키, 보로딘, 림스키코르사코프 등이 유명하다. 바그너와 베르디의 영향은 다음 시대에 크게 영향을 끼쳤다. 또 19세기 말의 이탈리아에는 베리스모(현실파)의 경향이 나타나서 마스카니, 레온카발로, 푸치니 등이 그 대표적인 작품을 작곡하였으며 독일에서는 R.슈트라우스가 바그너의 이상을 추구하였다. 20세기에 들어서는 프랑스에 드뷔시, 라벨, 뒤카가 있고 독일에서는 베르크의 《보체크》와 힌데미트가 유명하다. 러시아에는 프로코피예프, 쇼스타코비치 등이 있고 미국에 있는 스트라빈스키도 오페라를 작곡하였다. 영국에서는 브리튼의 《피터 그라임즈》가 주목되고 있다. 미국에서는 거슈윈 이래 많은 오페라가 제작되고 있다.

                           오라토리오          <oratorio>

-17∼18세기에 가장 성행했던 대규모의 종교적 극음악. 보통 성담곡으로 번역된다. 일반적으로 성서에 입각한 종교적인 내용을 지녔으며 동작이나 무대장치가 따르지 않는 것이 특징이다. 오페라처럼 독창,합창관현악이 등장하나 오페라에 비해 합창의 비중이 더 크며, 이야기의 줄거리는 내레이터가 낭송한다. 오라토리오라는 말은 본디 이탈리아어로 가톨릭성당에서 ‘기도소,를 뜻했으나 16세기 후반에 로마의 성필리포 네리가 기도소의 집회에서 사용한 음악이 계기가 되어 특정한 음악형식을 가리키게 되었다. 17세기에는 반종교개혁의 신도 강화책과 결부되어 이탈리아에서 발달, 카리시미를 정점으로 한 라틴어 오라토리오와 베네치아악파의 오페라양식을 받아들인 속어(이탈리아어) 오라토리오의 2개 파가 나타났다. 전자는 샤르팡티에를 마지막으로 쇠퇴하고, 후자는 스카를라티를 비롯한 나폴리악파를 중심으로 19세기 초엽까지 지속되었다. 독일은 처음 이탈리아어 오라토리오의 영향 아래 있었으나 17세기의 슈츠 이후 독일어의 오라토리오가 확립되고 J.S.바흐, 텔레만으로 계승되었다. 또 헨델은 《메시아：Messiah》(1742) 《마카베우스의 유다：Judas Maccabeus》(46) 등 많은 명작을 썼으며, 영어 오라토리오를 확립함과 동시에 오라토리오사(史)에서 정점을 이루었다. 하이든은 헨델의 웅대한 합창양식과 고전파 기악양식을 함께 살려 《천지창조》(98) 등의 걸작을 남기고 19세기 낭만파에서는 멘델스존, F.리스트, 베를리오즈 등이 뛰어난 작품을 남기고 있다. 오라토리오의 개념은 시대와 함께 확대되어 반드시 종교적인 제재가 아니더라도 관현악이 따른 규모가 큰 성악곡은 오라토리오로 불리게 되었다. 20세기에는 오네게르의 《화형대의 잔 다르크(1938)와 같은 그리스도교적인 오라토리오와 함께 스트라빈스키, 쇤베르크, 쇼스타코비치 등이 넓은 뜻에서의 오라토리오를 쓰고 있다.

                             미사곡   <missa>
                   

-로마 가톨릭교회에서 미사의 각종 전례문에 붙여진 곡. 미사에서 쓰이는 전례문에는 ‘통상문(通常文:1년을 통해 변하지 않는 부분)’과 ‘고유문(固有文:교회력에 의해서 변하는 부분)’이 있다. 전자 중에서 5개의 통상문, 즉 키리에(kyrie:연민의 찬가), 글로리아(gloria:영광의 찬가), 크레도(credo:신앙선언), 산크투스(sanctus:감사의 찬가), 아뉴스 데이(Agnus Dei:평화의 찬가)의 전부 또는 대부분을 음악적으로 일괄해서 작곡한 것을 미사곡이라고 한다. 가장 단순한 것은 단선율의 그레고리오성가 및 그러한 종류이지만, 14세기경부터 점차 복음악(複音樂)의 곡이 나타나게 되었다. 처음에는 5개의 장이 각각 다른 작곡가에 의해 독립적으로 다루어졌으나, 프랑스의 G.마쇼가 전 5악장을 한 묶음으로 한 미사곡을 쓴 이래, 이것을 본뜨는 사람이 많아졌다. 그 무렵부터 르네상스기에 걸친 작곡가 중, 뒤파이, 조스캥 데 프레, 팔레스트리나, 라수스, 빅토리아 등의 미사곡은 전례음악으로 특히 유명하다. 그 후 바로크시대 무렵부터 교회음악에도 오케스트라가 채용되면서 미사곡도 호화로워져 독창·중창·합창 등을 곁들인 변화가 풍부한 것(칸타타 미사라고 한다)이 나타나게 되었다. 바흐, 하이든, 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 구노, 프랑크, 브루크너, 스트라빈스키 등의 작품이 유명하며, 곡이 대형화함에 따라 미사곡은 전례용 외에 연주회용으로서도 중요시되었다. 본래의 미사곡은 제1장 ‘키리에’만 그리스어이고 나머지는 모두 라틴어이지만, 1963년의 제2차 바티칸공의회 이후 자국어로 미사 성제(聖祭)를 할 수 있게 되어 각국에서는 저마다 자기 나라 말로 된 미사곡을 사용하기 시작했다. 물론 독일에서는 루터의 종교개혁(1517) 이후 프로테스탄트교회에서 독일어로 미사곡이 불리었고, 또 가톨릭교회 중에서도 독일 남부의 농촌지대에서는 라틴어에 의한 미사 성제 도중에 미사의 취지에 따라 독일어로 전례성가를 삽입하여 농민을 계몽하기도 하였다. 이것을 독일미사(Deutsche Messe)라고 하는데, 그 중에서도 슈베르트의 《독일 미사》는 유명하다. 통상문에 의한 미사곡 외에 죽은 사람을 위한 미사곡은                          

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